La forma en que trabaja tiene mucho que ver con el tiempo. Sus piezas tienden a comenzar a partir de una imagen que sigue resonando una pequeña expresión, una postura, una cierta luz y aunque comienza a partir de sus propios bocetos y fotografías, la pintura se aleja rápidamente de esa referencia. Más que ejecutar una idea fija, lo que hace es averiguar qué quiere aparecer. Por eso protege lo que él llama el tiempo interno de una pintura: no trabaja desde la ansiedad de producir, ni desde la lógica rápida del consumo visual de hoy en día. Algunas piezas necesitan meses de silencio antes de encontrar su forma. A lo largo de los años ha seguido despojando lo que no era necesario, avanzando hacia una pintura que es más esencial y más directa, especialmente en el retrato, que para él es un territorio emocional más que descriptivo.

Lo que pasa con su trabajo es que no se agota en la primera mirada. Estas no son imágenes construidas para un impacto instantáneo; funcionan más como presencias silenciosas que lentamente revelan cosas nuevas con el tiempo. Se aprecian mejor en espacios con luz natural y cierta calma, y conectan más con las personas que quieren vivir con una pieza, no solo colgarla. Varela dice que en una exposición, alguien se quedó frente a un retrato durante mucho tiempo sin decir nada, y luego regresó para decirle que la obra le recordaba a alguien que había perdido años antes. No era un parecido literal; era algo emocional, difícil de explicar. Para él, un momento así es prueba de que la pintura aún puede crear conexiones que son tan profundas.