MAITE
PEREDA
Artista
Sobre Maite
Maite Pereda pinta geometría, y en su trabajo todo comienza con el color. Las técnicas y las formas cambian de un lienzo a otro, pero lo que permanece es esa sensación de un estallido de color que se sostiene por sí mismo en cualquier pared en la que se encuentre. Creció en una familia donde ser creativa era algo natural; sus padres la expusieron a todo: música, danza, fotografía, hasta que la pintura fue lo que realmente la atrapó. Desde el primer lienzo geométrico que hizo, supo que ahí era donde quería estar, y el orden y la geometría siguen siendo la base de lo que hace hoy en día.
Lo interesante de cómo trabaja es que una pieza no surge de un objetivo, sino del proceso. Maite tiende a partir de espacios o imágenes con contrastes de luz y sombra muy orgánicos, y a partir de ahí lleva todo hacia una composición geométrica. Pinta principalmente en acrílico y utiliza la serigrafía para marcar exactamente ese contraste entre la escena orgánica que la inspiró y la figura geométrica con la que termina. Y no se detiene en el bastidor cuadrado o rectangular: deja que la composición decida la forma final del lienzo, que a menudo se derrama más allá de los bordes que esperarías.
Estudió Bellas Artes en Central Saint Martins en Londres, y sus referencias dicen mucho sobre hacia dónde está mirando. Bridget Riley y Mark Rothko, por el color escribió su tesis precisamente sobre eso, sobre cómo los dos, trabajando casi exclusivamente con color, logran transmitir una emoción tan profunda. Y Peter Halley, por algo más específico: la idea de empujar los límites de la obra, de dejar que crezca más allá del marco rectangular. Sin embargo, los artistas con los que más le gusta conversar son aquellos que, como ella, están al inicio del camino, observando en tiempo real cómo cada uno de ellos construye sus propias bases.
Una pieza de Maite no se queda quieta. Cambia con la luz natural a lo largo del día, así que vivir con una significa observar diferentes formas y colores que emergen dependiendo de la hora. Funciona mejor justo ahí, en espacios donde esa luz puede entrar y jugar con el color, y donde las formas pueden dialogar con la arquitectura que las rodea. Lo primero que sucede cuando la ves es una especie de intriga por el color; lo segundo, una vez que te fijas en los detalles, es una extraña calma, del tipo que te mantiene mirando.
Maite cuenta la historia de alguien que, después de una exposición, le escribió para decirle que había pasado meses conviviendo con una de sus obras, y que lo que más le sorprendió fue cómo cambiaba dependiendo de la hora del día. Esa conversación se quedó con ella por dos razones. Una, porque resume cómo piensa sobre su trabajo: que un lienzo no termina cuando sale del estudio, sigue cambiando dentro del hogar de quien convive con él. Y dos, porque sus pinturas favoritas son los Nymphéas de Monet en la Orangerie, precisamente por ese efecto de movimiento con la luz así que escuchar que alguien había sentido algo similar frente a una de sus propias obras significó mucho para ella.
Su trabajo conecta más con una mirada joven y contemporánea, y con personas en diseño y arquitectura, que entran a través de las formas y de la manera en que el color transforma una habitación. En este momento, está explorando cómo combinar lo geométrico con referencias más orgánicas y fotográficas, y sigue experimentando con las formas de los bastidores y con piezas que se relacionan más directamente con el espacio para el que fueron creadas. Lo que ella protege a través de todo esto es no desviarse: mantener una práctica honesta mientras construye sus fundamentos, sin forzar nada para que encaje en una tendencia. Si tuviera que dejar una idea clara, sería esa, que el color y la geometría pueden cambiar completamente cómo se siente un espacio.